pop-il na

Pop-il na

(Casa de los acuerdos, en lengua maya)

La muestra de tres artistas originarios del sureste de México, egresados de la Escuela Superior de Arte de Yucatán (ESAY), era una asignatura pendiente en la escena del arte contemporáneo de la Ciudad de México. El proceso de su formación artística se manifiesta en el tema y el tratamiento de cada uno a las interrogantes ¿cuándo, cómo y dónde surge el arte?. Si la modernidad emergió en las grandes metrópolis, la globalización surge de lo translocal, lo nómada y lo efímero, características de los modos culturales en los que vivimos inmersos.  

La obra de Natassja López es un ejemplo de la minuciosa investigación de las conductas humanas que surgen en los espacios de labor. En su instalación llamada Vida de oficina: área de trabajo, López pone ante nosotros los dispositivos que simbolizan la manera en que se gestionan las exposiciones artísticas. Su acción de bordar sobre filtros de café dentro la sala de exposición, nos hace reflexionar sobre qué es lo que constituye la labor artística: un trabajo que da sentido estético y valor a la producción simbólica. El suyo es un arte conceptual con un giro etnográfico, que deja ver la semántica de los objetos y la semiótica de las interacciones humanas dentro de un espacio de exposición universitario.

Para Gerardo Silva el lugar es el resultado de la interacción de culturas y la integración dentro de una narrativa de períodos distantes en el tiempo. El artista expone una acción a la que llama Cita a ciegas, cargada de sentido plástico y lúdico. La situación es muy concreta: dos cuerpos anónimos se dan cita dentro de una escultura blanda, interactúan por medio de ella y nos muestran cómo el arte surge donde hay interacción entre dos individuos. La obra de Silva abre posibilidades e historias diferentes: el performance como secuencia lógica proveniente de la escultura y la supresión de la mirada como posibilidad de construcción de la obra tridimensional.

En Te dibujo gratis, Pablo Tut ha hecho del valor artístico el centro de su propuesta. La distancia entre la obra de arte y el sujeto es el asunto que Tut aborda en dos niveles. El primero consiste en ofrecer el retrato hecho al minuto a los paseantes de una zona turística con lo cual el dibujante muestra  que el arte es más un oficio que una profesión. Aún cuando la obra de arte es el ejemplo más claro de la plusvalía que el capital extrae del trabajo productivo,  Pablo Tut introduce la gratuidad de una obra de arte para poner  en entredicho el valor económico de la misma y subrayar el valor de la experiencia. El segundo nivel está inscrito en la instalación Rendezvous, donde aborda otra dinámica de la relación entre el artista y el espectador, haciendo de ésta interacción el motivo mismo de la producción artística por medio de un “selfie” escultórico, para ponerlo en términos actuales.

Las obras de estos tres artistas trashumantes llega oportunamente a la Celda Contemporánea para abrir un conjunto de reflexiones sobre lo que será el arte en un mundo distópico. Más que ofrecer certidumbres la exposición obliga a especular en las relaciones entre artista, espectador, sala de exposición, objeto artístico, en un futuro próximo, cuando nuestra existencia sea más virtual, el cuerpo deje de ser el centro de identidad y el sentido de pertenencia ligado a un lugar estén mediados por la tecnología y nuevos paradigmas artísticos o mitos culturales.  

José Manuel Springer 

Octubre, 2014

Gerardo Silva, Mérida Yucatán, 1991. Estudia la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY). Ha participado en diferentes talleres como Fendelkrais auto reconocimiento corporal, Bellas Artes Mérida, impartido por Ligia Aguilar 2012-14; Movimiento creativo, ESAY, Teatro impartido por Tatiana Zugazagotia, 2013; Teatralidades y escenidades liminales, ESAY, Teatro impartido por Sebastián Liera, 2011; Laboratorio de intervención urbana Translocaciones Mérida, impartido por Colectivo dos cincuenta, 2011, entre otros. Ha montado diferentes intervenciones públicas en la ciudad de Mérida, como Mayas Not Dead, dentro de marco del Festival Internacional de la Cultura Maya con el Premio de arte público “El paisaje” 2013, en la Explanada de Mejorada; Pasos para descosificar a un niño explotado 2013, Plaza Grande Mérida; Capillas Coca Cola 2013, tiendas del Centro de Mérida; Viacrucis globalizado 2012, Zócalo del Centro Histórico de Mérida; Mirada de Indigente 2011 Centro de Mérida;  El Gran Circo del Mundo Maya 2014,  performance, en el Gran Museo del Mundo Maya y Chichen Itzá, Yucatán. Expuso individualmente el proyecto No hay un Dios hay muchos, en la Galería Mérida, Mérida Yucatán, 2012 y colectivamente en Galería Pandeo, Juego expandido, Cd. de México, 2014; Nos ponemos de acuerdo después, Cd. de México, ENPEG, 2013; Fronteras Mérida, Galería Mérida, Yucatán, 2013; Fragmentación de estereotipos, Galería Mérida, Mérida, Yucatán, 2012. En 2014, participo en el proyecto Patria Nueva Oaxaca: Cultura y Comunidad de Jaime Ruiz, un proyecto de diseño barrial comunitario, con el apoyo del Centro de Diseño de Oaxaca, donde imparto un taller de producción creativa “in situ”, dirigido a vecinos de  la comunidad de Patria Nueva, Oaxaca. Gerardo Silva se considera como un “taco campechano”, con un poco de todo, buscando una identidad a partir de los intercambios socioculturales. Su premisa es sentir y conocer con el otro. Su trabajo es de carácter multidisciplinario. Otras de sus constantes es buscar las fugas a la estabilidad, perder el equilibrio para volver a encontrarlo. La mayoría de sus obras se conforman por dispositivos escultóricos que detonan una acción, un juego, un ritual o un encuentro.

Natassja López, Cancún Qroo., 1986. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en La Escuela Superior de Artes de Yucatán, 2005-2010. Ha participado en diferentes cursos y talleres como: Archivo Archipiélago, Microhistorias del Arte Contemporáneo, impartido por Luis Rius Caso, Cd. México, 2013; Taller de Gráfica y Múltiple Expandido, impartido por el artista Emilio Said y El Guión Museográfico, impartido por Armando Sáenz Carrillo, Mérida, Yuc., 2012-2013; Atelier Romo, impartido por el artista Sebastián Romo, Galería FrontGround, Mérida, Yuc., 2012. Fue artista residente en La Chambre Blanche; Québec, Canadá, 2009. Participó en Las segundas Jornadas Internacionales Peirceanas: educación, arte y signo, con la ponencia: La galería, un dispositivo de naturalización de la producción artística en el ámbito educativo, realizadas en la ESAY; Mérida, Yucatán, 2009. Entre sus exposiciones individuales destacan: Interiores, Xoclán La Reja, Mérida, Yuc. 2010; Invasión de espacios La Chambre Blanche, Québec, Canadá, 2009 y Retratos Familiares, FrontGround, Galería Manolo Rivero, Mérida, Yuc., 2007. Ha expuesto colectivamente en Galería Arte Hoy, 14 Microhistorias en el Arte Contemporáneo, Cd. de México, 2013; FrontGround Galería Manolo Rivero, Estrategias, Mérida, Yuc., 2012; Galería La Periferia, Ta Topaj Le Máasewal - Castro Pacheco Hipertextual; Mérida, Yuc., 2008; El Museo Latino, Otras Bitácoras (moving), Omaha, Nebraska. 2008; Museo Leopoldo Flores, Tercera Bienal de Arte Visual Universitario, Toluca, Edomex., México, 2008, entre otras. Su trabajo consta en investigar las dinámicas de interacción que generan los espacios de convivencia en una comunidad. Utiliza diferentes disciplinas, fotografía, instalación, performance, etc., para tener acercamientos que lleven al espectador a identificarse con situaciones específicas de su entorno. Esta búsqueda le permite entender el modo en que las personas construyen el contexto que las engloba.                                                                         

Pablo Tut, Campeche, Campeche, 1992. Estudia la carrera en Artes Visuales en la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY). Ha participado en diferentes colectivos como el colectivo Doscincuenta durante el festival Translocaciones 2011 y en el Atelier Romo, taller impartido por Sebastián Romo en el 2012 en Mérida, Yucatán que culminó con la exposición ‘’Estrategias’’ en la galería Frontground en la ciudad de Mérida. Ha sido también residente de la Fundación Gruber Jez en Cholul, Yucatán, desde el 2012, y fue becario del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico Campeche, 2012 (PECDA). Su trabajo se basa en interacciones con personas en el espacio público. Las intervenciones cuestionan las relaciones entre artista y espectador, la utilidad del arte y la contemplación. Utiliza diferentes disciplinas para sus intervenciones como escultura, dibujo y performance. Su línea de trabajo busca investigar y abrir las posibilidades de creación en base al reconocimiento primordial del Otro. En 2013 obtuvo el 1er. lugar en el concurso de Arte público El paisaje en Yucatán, Mérida, Yucatán y el 1er. lugar en el II Premio Estatal de Artes Visuales Enrique Herrera Marín, Campeche, Campeche. Individualmente expuso Piñatas y personas, en el pasaje “Emilio Seijo”, Mérida, Yucatán, 2013, y colectivamente ha participado en Estrategias, Galería Manolo Rivero/ Frontground, Mérida, Yucatán, 2012; II Premio Estatal de Artes Visuales Enrique Herrera Marín, Galería Manuel de la Cruz, Campeche, Campeche, 2012; y FRAGILE, Galería Casa Kan, Ciudad de México, 2014. 

paraíso en sombra

ESENCIAS E IDEACIONES PRESENTES

Los tres artistas reunidos en la exposición Paraíso en sombra, producen obras que evidencian la relación del hombre con el principio de aprehensión del universo y de su ser presente, es decir su conciencia y representación de la realidad metafísica en el tiempo y espacio que les toca vivir. La intención introspectiva, tanto intelectual como espiritual, de buscar el origen o esencia de las cosas es la que genera el impulso para luego transformarlas o representarlas en signos (imágenes, palabras, sonidos, gestos, etc.). Podría interpretarse este acto como la ideación que el filósofo alemán, Max Scheler analiza en su conferencia sobre El puesto del hombre en el cosmos. La ideación resulta de una red de actos o prácticas de “anulación ficticia del carácter de realidad”, o de “reducción fenomenológica” para alcanzar la esencia de las ideas. El recorrido metafísico y antropológico de Scheler reúne visiones de oriente y occidente para formular una conducta ascética que le permita al hombre –en este análisis particular, al artista- resistirse al mismo tiempo que hacer conciencia de su vida.

La obra de Paul Muguet, siguiendo esta lectura filosófica, es una metáfora de lo que Scheler resume como la vieja idea de Spinoza, Hegel y otros, sobre la conciencia que el Ser primordial adquiere de sí mismo en el acto de contemplarse y saberse como hombre, en un acto de trascendencia o advenimiento donde lo creado es parte de una unidad funcional, dado que se construye a partir de la individualidad de algunos objetos o signos que representan la impermanencia de las ideas, más allá de la materialidad de las cosas. Es así que sus objetos y esculturas componen figuras abstractas o representacionales de un todo, a partir de la singularidad de un objeto o palabra determinada y conocida a priori.

Rocío Asensi también trabaja a partir de la indagación y meditación de la realidad y sus manifestaciones sociales antagonistas en el mundo occidental y oriental, reconociendo, a partir de sus viajes y experiencias la complementariedad entre ambos. La aceptación de esas realidades mediante la obra y el hacer artístico, permite otro acceso espiritual a la impresión de la vida, donde incluso los actos negativos dotan de energía al espíritu, como dice el metafísico alemán. De esta manera podemos entender al acto creativo no como una denuncia moral, sino como una intención ética o voluntad espiritual por reconocer el lugar del hombre en el universo.

Finalmente, el trabajo de Fernando García Correa se relaciona con las primeras aclaraciones que Max Scheler hace en relación a los grados o estructura del ser psicofísico para diferenciar al hombre de los demás seres vivientes con los que convive. Sin caer en un simple juego de dualidades, las obras de este artista buscan presentar las diversas formas del ser, partiendo de las experiencias afectivas e instintivas comunes entre hombres, plantas y animales, a su vez que la asociativa e intelectiva, que constituyen cualidades desarrolladas por la psique humana. Las imágenes y formas creadas establecen un puente entre las abstracciones simbólicas y las figurativas, que activa el flujo de conexiones que el espectador puede establecer al observarlas.

El artista como asceta, en un sentido actualizado de la palabra, puede enmarcarse en la charla TED que Alain de Botton titula Ascetismo 2.0, donde propone al arte y la cultura como la nueva religión. Ambos filósofos, Scheler y Botton, entienden al arte como un encuentro con las ideas más esenciales del mundo y del ser. El siglo que los separa confirma la esencia en las ideaciones presentes y pasadas.

Belén Moro

Agosto 2014

Paul Muget, Ciudad de México, 1975. Realizó sus estudios de Licenciatura en Artes Plásticas, en el École Supérieure d'Art de l'Agglomération d'Annecy, Francia, 1996-99, y la Maestría en el École Supérieure des Beaux-Arts de Nîmes, Francia, 1999–2001. En su obra, suele intervenir objetos cotidianos y emplea la palabra escrita para redefinir tanto la relación con las cosas que nos rodean como nuestra manera de nombrarlas. Dentro de sus principales exposiciones individuales se encuentran: Pleroma y Asterismo, Galería Mérida, Yucatán, México, 2014; Plural-Singular, Galería Freijo Fine Art, Madrid, España, 2013; Stanza Nominale, Front Ground Galería, Mérida Yucatán, México, 2012; Innuendos, Galería Arte talCual, México D.F., 2010; Off the Line, Galería 13, México D.F., 2008; Interstices, Le Périscope, Espace d’Arts Pluriels, Nîmes, Francia, 2003; Labile, Galerie Hôtel des Allégories, Nîmes, Francia, 2001. Dentro de sus exposiciones colectivas se encuentran: en el 2014, Festival A-Part, V Edición, Festival Internacional Arte Contemporáneo, Alpilles, Provence, Francia; VI Bienal de Yucatán, Mérida Yucatán, México; Estudio 71 Arte Contemporáneo, Proyecto MEMORIA, México D.F.; Aniversario 1M1A, 1 mes/1artista, Studio Dear, México D.F.; 2013, Biomimétisme & Biomorphisme, Etant Donné, Nîmes, Francia; 2011 Creación en Movimiento, Museo Diego Rivera-Anahuacalli, México D.F.; 2010 Creación en Movimiento, FONCA 2009-2010, MUPO, Oaxaca México; Conceptos Transitables, Polyforum Siqueiros, México D.F.; 2009 Volumen 1, talCual Galería Arte Contemporáneo, México D.F.; 2008 Possibilities, Galería 13, México D.F.; 2007, 18 + 3, Museo Franz Meyer, México D.F.; 2003, Le Musée de Demain, Galerie Quai des Allégories, Nîmes, Francia; 2001, Jeunes et Innocents, Espace Escaut, Bruselas, Bélgica; y 2000, Mur Foster, Musée d’Art Contemporain, Nîmes, Francia. Ha recibido diversos reconocimientos y ha sido seleccionado para residencias como: 2014, Festival A-Part, V edición, Artista seleccionado, Festival Internacional de Arte Contemporáneo, Les Alpilles, Provenza, Francia. VI Bienal de Yucatán, artista seleccionado en la categoría de pintura, Mérida Yucatán, México; 2012, Fundación Gruber Jez, artista en residencia, Mérida Yucatán, México; 2011, Artista seleccionado en AUP (Agency of Unrealized Projects), plataforma e-flux, Nueva York; 2009–2010, Jóvenes Creadores, beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), México; 2003, residencia, Émergences Art Contemporain, Le Périscope, Espace d’Arts Pluriels, Nîmes, Francia.

Rocío Asensi, Madrid, España, 1971. Realizó sus estudios de licenciatura en Bellas Artes, en la Universidad Complutense de Madrid, España. Ha completado su formación con diferentes cursos de Arte interdisciplinarios, como iluminación escénica e instalación en diversas ciudades. Ha participado en numerosas Ferias Internacionales y Festivales de Arte en diferentes partes del mundo presentando sus proyectos y desarrollando videos e instalaciones itinerantes.  Las experiencias de sus numerosos viajes son parte fundamental para sus investigaciones, reflexiones y desarrollo de sus proyectos. En el 2013 participó con Memento Mori en el Festival Internacional de las Luces, FILUX, Museo de la Luz, México DF. En 2012, realiza una exposición individual presentando por primera vez el proyecto East and West, en la Galería Asm28 de Madrid, España, dentro del festival “Miradas de Mujeres”. En 2011, expone individualmente en el Museo Provincial de Huelva con el proyecto ¿En qué se diferencian nuestros sueños?, realizando una instalación lumínica especial para la muestra, que presentó posteriormente en la galería Rafael Pérez Hernando, Madrid, en 2009. Otro de sus proyectos Paraíso artificial, se presentó en la galería Rafael Pérez Hernando, en Madrid, en 2005, y en La Sala Naranja, de Valencia, España en el 2003.  Algunas de sus participaciones colectivas y reconocimiento son:  V Feria de Arte Moderno y Contemporáneo, ART MADRID, 2010; Festival Internacional de Videoarte, en la Paz, Bolivia y ESTAMPA 09, Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo, 2009; Feria Internacional de Arte de Toronto Canadá, 2008; FEM 08, en Casa de Vacas, Madrid; Art.fain os, en Colonia Alemania, 2007. Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid, 2007; Premio Ella, en “Tentaciones en Estampa”, Ayuntamiento de Madrid, 2004;  Mención Honorífica en la Casa Velázquez de Madrid, 2000. Ha sido invitada a dar conferencias acerca de su trabajo en las Universidades Carlos III y Juan Carlos I de Madrid, España. Actualmente reside en la ciudad de México, después de haber vivido en lugares tan diversos como Madrid, Londres, Marruecos y la India.

Fernando García Correa, Ciudad de México, 1958. Realizó estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, 1978-1980. Viaja a Europa donde continúa su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes, París, Francia 1980-1983, y donde radicó durante once años. Su trabajo se desenvuelve como una reflexión de lo pictórico dentro de una perspectiva abstracta que muchos califican de post-minimalista y en donde a través del desarrollo de comentarios basados en la experiencia visual, busca establecer vínculos y similitudes con el pensamiento científico, la experiencia psicológica y los modelos orgánicos y sociales que nos rodean. Ha expuesto individualmente en 30 ocasiones en recintos importantes entre los que destacan: Zeichnung 13, Galería Michael Sturm, Stuttgart, Alemania, 2013; Procurada Corrupción, exposición retrospectiva, Museo de Arte Moderno, México 2012-13; Abrazo, Museo de la ciudad de Querétaro, Qtro., 2011; Da Do: dípticos de Fernando García Correa, La 15, San Juan, Puerto Rico, 2010; Sombra de Bosque, Galería Arroniz Arte Contemporáneo, México, 2010; Hipo de Conejo, El Clauselito, Museo de la Ciudad de México; Plots, Instituto de México en España, Madrid, España, 2008; Azúcar sobre papel y Wakashan, Galería de Arte Mexicano, 2927 Works on paper, Galería Art & Idea, New York, N.Y, 2007; Mural temporal, Museo Experimental EL ECO, México, 2006. Ha participado en más de 75 exposiciones colectivas como: Diógenes y los perros, Un ensayo sobre el ocio, Casa del Lago, UNAM, México D.F.; Drawing Now, Le salón du Dessin Contemporain, París, Francia, 2014; Pinta London, Arróniz ArtBo Colombia y Colectiva-Abstracción, Galería Arroniz, 2013, Territorio ocupado: un espacio por conquistar, Centro Vlady, México D.F.; Taller Tokio, Seis años (gráfica), Galería Le Laboratoire, México D.F., 2012; Cimbra, Formas especulativas y armados metafísicos, Museo de Arte Moderno, México D.F. 2010; Sin límites, Pago en Especie y Acervo Patrimonial, Antiguo Palacio del Arzobispado, México D.F.; Elefante Negro, Museo Diego Rivera Anahuacalli, México D.F; XI y XII Bienal Rufino Tamayo, Museo Tamayo; ECO, Arte Contemporáneo Mexicano, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Abstracción es, Galería Metropolitana, México, D.F., entre otras. Algunos de los reconocimientos que ha recibido son: Premio de Pintura, Salón de Octubre, Fundación Cultural Omnilife, Guadalajara, Jal. México, 2000; Premio de Adquisición, Primera Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, 2001; Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA, emisiones 2005 y 2011; Premio de Adquisición, XIII Bienal Rufino Tamayo, 2006; Beca de la Fundación Pollock-Krasner, USA, 2010.